Se aproxima el 8 de marzo, fecha de conmemoración del Día Internacional de la Mujer, declarado por la ONU en 1975. Y que mejor momento para hacer reflexionar a nuestro alumnado sobre el papel de la mujer artista a lo largo de la historia de la humanidad. Hace tiempo que deseaba poner en práctica un proyecto que visibilizara a la mujer en su faceta artística a lo largo de los tiempos, afortunadamente, la conciencia popular va cambiando gracias al trabajo de personas como Manuel Jesús Roldan que dedican su tiempo, además de a la docencia, a la investigación para dar luz a cientos de mujeres, grandes artistas, en su obra HISTORIA DEL ARTE CON NOMBRE DE MUJER. Dicha obra será nuestro referente a lo largo del presente post que se irá completando con información extraída de diversas fuentes digitales.
Los primeros testimonios escritos sobre obras creadas por mujeres quedan recogidos por Cayo Plinio Segundo, conocido como Plinio el Viejo, quien fue un afamado escritor y erudito latino (hacia 23-79 d.C.). Plinio atribuye la invención de la pintura a la mujer cuyo nombre KORA queda retratada en forma de mito corintio ambientado en la Grecia del S. VII a. C..
<<Kora, hija del Butades, quedó prendada de un joven que pronto marcharía a la guerra. Durante la última noche antes de su despedida, Kora despertó de su sueño y descubrió cómo el perfil de su amado se describía en la pared, proyectada por la luz de una vela. Tomando un carboncillo, repasó el perfil de la sombra, para así no olvidar la imagen de su amado.Partiendo de aquella silueta su padre Butades, aplicó una capa de arcilla que modeló llevando a la tercera dimensión el retrato del joven, que posteriormente horneó para que se conservara a lo largo del tiempo.>>
Artistas de los siglos XV, retrataron a Kora y a otras artistas del arte clásico. Os muestro algunas de las obras:
En su libro Plinio, nombra a seis mujeres artistas del mundo clásico: Timarete, Aristarete, Olimpia, Calipso, Irene e Iaia. TMARETE
Miniatura en la que se representa a Timarete pintando a Diana (1400-1425).
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Irene representada en una miniatura de una edición de 1403 de la obra de Boccaccio De Claris.
Existe el tópico de que el arte de la Edad Media fue oscuro y poco prolífero frente a otras etapas de la historia pero la realidad fue otra. Fue una época en la que toma relevante protagonismo las obras iluminadas realizadas por frailes y monjas que en sus monasterios y conventos, iluminaban Biblias, evangeliarios, salterios y todo tipo de libros litúrgicos, además de obras de teología y filosofía. Textos manuscritos ilustrados con auténticas obras de arte pictóricas en miniatura realizadas, además de por los frailes por monjas que pertenecían a familias nobiliarias y que se aseguraban una vida de formación intelectual con sustento económico garantizado como alternativa a la vida matrimonial como única opción.
Destacan los nombres de artistas ilustradoras de los siglos VII y VIII como REINULA y HERLINDA en Los Países Bajos, en los siglos X y XI destaca HITDA en Colonia, autora de un evangelio que se conoce con su nombre y fue una de las monjas que se autorretrató en sus ilustraciones.
Evangeliar der Äbtissin Hitda von Meschede.
A finales del siglo X en una Península Ibérica dividida entre el territorio de al-Ándalus musulmán y los incipientes reinos cristianos del norte, aparecen las iluminaciones de la artista ENDE que con una misteriosa inscripción pone nombre a la pintora más antigua conocida en España:
Ende pintrix et d(e)i aiutrix fr(a)ter emeterius et pr(e)s(bite)r
(Ende, pintora y ayudante de Dios; Emeterio, hermano y sacerdote)
ENDE, miniatura del Beato de Gerona, conservado en el tesoro de la Catedral, representa a la prostituta de Babilonia, un pasaje del Apocalipsis.
En el siglo XII destaca en Alemania el nombre de GUDA de Weissfauen, monja iluminadora que fue una de las primeras en autorretratarse en sus obras.
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Ilustración del homiliario de San Bartolomé, creado entre 1250 y 1300
En el siglo XIII en Alemania, CLARICIA O CLARICA fue otra iluminadora que se autorretrato y firmó en un libro de salmos realizado hacia 1200. Lo que llama especialmente la atención es la libertad de la representación pues aparece balanceándose apoyada en la letra Q.
Autorretrato de Claricia con su firma, Salterio, finales del siglo XII-principios del siglo XIII. The Walters Art Museum de Baltimore, Maryland (USA).
A mediados del siglo XIV, destaca en Francia la figura de BOURGOT LE NOIR, iluminadora cuya obra va ligada a la de su padre, iluminador de manuscritos, JEAN LE NOIR.
Salterio Bonne de Luxemburgo (c. 1349), de Jean y Bourgot Le Noir,
Éstas son algunas de las artistas localizadas de la época medieval junto a CATALINA DE BOLONIA (1413-1463), HERRADA DE LANDSBERG (1125-1195), la escultora SABINA VON STEINBACH que resulta un misterio su existencia por los escasos datos. No fueron menos importantes que las anteriores pero aún nos quedan muchas épocas por ver y evito hacer el post excesivamente largo. Pero me detengo en Sabina por pertenecer a una disciplina artística diferente a las vistas hasta el momento, la escultura.
Sabina von Steinbach
SABINA, sería la autora de estas estatuas de la catedral de Notre-Dame de Estrasburgo.
Hablemos primeramente del contexto histórico sociocultural y económico de una época de esplendor dentro de todos los campos de la creación, literatura, música, pintura, escultura,...
El Renacimiento fue un movimiento cultural que nace a finales del siglo XIII en la literatura y que alcanza su apogeo entre los siglos XIV y XVI en Europa cuyo foco artístico fue Italia. Durante esta época se sucedieron grandes cambios culturales: descubrimiento de nuevos continentes, invención de la imprenta por Gutenberg, la expansión del comercio, introducción de ideas clásicas, etc.
Dentro de este contexto el papel de la mujer artista cobra un cierto protagonismo gracias a obras literarias como: "El cortesano de Castiglione", de Mulieribus de Claris; "De las ilustre mujeres" de Boccaccio...entre otros. Pero no lo tuvieron fácil pues tenían prohibido los estudios de anatomía y no eran aceptadas en la mayoría de los talleres. Finalmente su formación se veía relegada a aquellas que procedían de familias de artistas o a alguna orden religiosa.
Entre las artistas destacables de la época se encuentran: CATHARINA VAN HEMESSEN (1527-1578), SOFONISBA ANGUISSOLA (1532-1625), DIANA SCULTORI (1547-1612), LAVINIA FONTANA (1552-1614), MARIETTA ROBUSTI (¿1560?-1590).
Pintora flamenca, especializada en el retrato. Se le atribuye el primer autorretrato femenino conocido y por ser la primera en retratarse junto a su caballete pintando, actitud que repetirían muchos otros artistas, tanto hombres como mujeres. Su especialidad fue la miniatura, técnica que aprendió en el taller de su padre, Jan Sanders van Hemessen (1500-1556). Su padre formado en Italia, fue uno de los artistas manieristas más reconocido de Flandes.
Autorretrato, óleo sobre tabla, 32 x 25 cm. Firmado «ego caterina de/ hemessen me / pinxi 1548 // etatis suae / 20». Museo de Arte de Basilea.
Pintora italiana, considerada la primera mujer pintora de éxito del
Renacimiento. Cultivó el retrato y el autorretrato, sentando nuevas reglas en el arte del retrato femenino. Supo captar la personalidad de sus retratados y proyectar en sus autorretratos, su intelectualidad y espíritu independiente. Pero fue silenciada durante un tiempo atribuyendo obras suyas a Sánchez Coello y a Pantoja de la Cruz.
Autorretrato con caballete (1556)
Sofonisba Anguissola: El juego de ajedrez (1555)
También conocida como Diana Mantovana, fue una pintora y grabadora italiana. Está considerada como la primera mujer en dedicarse al grabado de forma profesional. Hija del grabador GIONANI BATTISTA SCULTORI, aprendió de él y del gran maestro del grabado GIULIO ROMANO pero no pudo seguir un aprendizaje reglado, debido a su condición femenina. Su obra llegó a ser nombrada en la segunda edición de las Vidas de Vasari, (catálogo de arte con baja presencia femenina) lo que supuso un reconocimiento público importante: <<Graba tan bien que es una cosa para maravillarse; y yo, que la vi, una muchacha muy gentil y amable, y sus obras, que son las más hermosas, quedaron asombradas>>
Moneda acuñada en su honor en 1588.
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"Speculum Romanae Magnificentiae: Amphion y Zethus atan a Dirce a un toro salvaje" [El toro Farnesio], 1581. Museo MET, Nueva York.
Es considerada como la primera pintora profesional, al ejercer la pintura como oficio y poder vivir de ella. Nace un 24 de agosto de 1552 en Bolonia, Italia, su gran maestro y mentor fue su padre, Prospero Fontana, un importante artista de la escuela boloñesa.
Autorretrato de Lavinia que regaló a su marido como regalo de bodas.
Fue una mujer artista que rompió con todos los convencionalismos de la época, tanto a nivel profesional como personal. Adquirió gran fama como retratista de la corte de la nobleza y del clero. Tras casarse su fama creció aún más. Tuvo once hijos, su marido fue un fiel colaborador tanto en sus encargo como en el hogar.
Lavinia Fontana: Apolo y las musas. Colección paarticular.
Lavinia Fontana: Retrato del Papa Gregorio XIII. Foto: Wikimedia Commons.
Fue la primera artista que se conozca en haber pintado desnudos a gran tamaño en la historia. Pasó a la historia por su increíble vida y obra, pasando a ser considerada como la mayor con anterioridad al siglo XVIII.
Nació en Venecia en 1556 0 1560 según que fuente, hija ilegítima del gran pintor veneciano TINTORETTO, vivió a la sombra de su padre casi como pintora anónima. Aprendió los rudimentos de la pintura vestida de hombre para poder acompañerle en las clases y en el taller. Recibió una esmerada educación desarrollando sus habilidades pictórica y musicales. No llegó a recibir grandes encargos, probablemente por su condición femenina y por su origen ilegítimo. Aun así, su obra atrajo la atención de Maximiliano de Austria y al propio Felipe II de España.
Su vida fue corta al fallecer a los treinta años en un parto tras cuatro años de casada. fue muy querida por su padre y sus restos descansan en el panteón familiar, cuatro años después falleció su padre. Su legado artístico, hoy en día, no está claro al confundirse con obras que se le atribuyen a su padre, algunas de ellas, descubiertas al ser restauradas y aparecer la firma de Marietta con MR. Probablemente, algunas de ellas se realizaron de forma conjunta.
Autorretrato (1580) detalle. Galería de los Uffizi Florencia
Comenzamos contextualizando la época para entender mejor como se desarrollaron nuestras artistas en un mundo de profundos cambios, son tan solo un par de minutos de visionado del presente vídeo.
El Barroco es un estilo artístico que se desarrolló entre los siglos XVII y XVIII, surge en Italia y se expande por el resto de Europa e Iberoamérica. Se trata de un estilo complejo y diverso, recargado y ostentoso. Una de las características principales es la interacción entre las disciplinas artísticas, la arquitectura crea el espacio para la pintura y la escultura, integrándose en un todo junto a la ceremonia (religiosa o política), la música o el teatro. Los clientes fundamentales del arte barroco, fueron: la iglesia católica, la monarquía y la burguesía. Con una mezcla de teatralidad, emoción y dramatismo, el Barroco hace uso de los contrastes lumínicos como el tenebrismo y a su vez, coexiste con una vertiente clasicista heredada del Renacimiento.
Los acontecimientos o hechos históricos que marcaron la época, fueron: la Guerra de los Treinta Años y la creación de la Santa Inquisición. (información extraída de ARTEMISION)
Entre las mujeres artistas más destacables del Barroco, estarían: ARTEMISIA GENTILESCHI (1593-1656), CLARA PEETERS (1594-1657), JOSEFA DE ÓBIDOS (1630-1684), LUISA ROLDAN (1652-1704), KIYOHARA YUKINOBU (1643-1682).
Nació en Roma el 8 de julio de 1593, coincidiendo con la actividad artística de CARAVAGGIO. Hija de un notable pintor, Orazio Gentileschi, perdió pronto a su madre y su padre se encargó de darle una educación artística. Eran años de cambios en la concepción de la pintura italiana, Caravaggio inició un proceso de experimentación en la pintura que desembocó con el claroscuro tenebrista y el realismo extremo.
Considerada como una de las grandes pintoras del Barroco italiano, se autorretrató con maestría y empoderada, algunos la interpretan como un gesto de arrogancia. Vio su vida marcada cuando fue violada por su preceptor artístico, Agostino Tassi, quien fue condenado al destierro de la ciudad.
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Durante años, la obra de Clara Peeters fue la única colgada en las paredes del Museo del Prado, suponiendo una excepción. Nace en Amberes en el año 1594 y se la consideró una artista precoz al realizar su primera obra con tan solo 14 años. Su temática principal fue el bodegón, quizás huyendo de la falta de formación académica de la figura humana ya que no se les permitía su presencia en las academias.
Sus pinturas sorprende por gesto contemporáneo al incluir autorretratos camuflados en las superficies onduladas de los objetos representados (en la actualidad, se le llama la precursora de los selfies). En el año 2016 se convirtió en la primera mujer protagonista de una exposición en el Museo del Prado.
Clara Peeters – Mesa con mantel, salero, taza dorada, pastel, jarra, plato de porcelana con aceitunas y aves asadas, h. 1611. Imágenes del Museo del Prado (Madrid)
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Clara Peeters – Bodegón con flores, copa de plata dorada, frutos secos, dulces, panecillos, vino y jarra de peltre, 1611, Museo del Prado (Madrid)
Artista portuguesa, hija del pintor Baltazar Gómez Figueira y de la española Catalina Ayala Camacho, nacida en Sevilla en tiempos de Felipe IV cuando España y Portugal estaban unificadas. Con 14 años se traslada a Portugal e ingresa en el convento de Santa Ana de Coimbra, donde realizó algunos grabados para los estatutos de la universidad, lo que le proporcionó fama y darse a conocer al público portugués. No llegó a profesar como monja y las animaba a la vida de trabajo que les permitiera una autonomía económica y no vivir de los donativos.
A la edad de 30 años, ya era una pintora consagrada superando la cotización de su padre. la mayoría de encargos provenían de la iglesia. Tras fallecer su padre, montó su propio taller ampliando la producción a grandes retablos para conventos e iglesias.
Su catálogo actual está formado por más de 100 obras, destacando sus cuadros de flores, naturaleza muerte y escenas religiosas.
A los 54 años falleció, dejando una suntuosa herencia. Vivió como una mujer independiente, reivindicativa, acaudalada y reconocida en vida.
Abisag (1650 The Athenaeum Museum)
Maria Magdalena consolada por ángeles (1679 Museo del Louvre).
Se vivían tiempos difíciles en la España del siglo XVII, con una monarquía debilitada por las guerras europeas y la ciudad de Sevilla que se recuperaba de la atroz epidemia de la peste de 1649. En este contexto nace Luisa Roldán en Sevilla, hija del escultor imaginero Pedro Roldán y de Teresa de Jesús Mena. Creció en el taller de su padre, compartiendo sus inquietudes artísticas, participando en el taller desde muy temprana edad. De su primera época que se desarrolló en Sevilla, se le atribuyen tallas como "Los ladrones" del paso del misterio de la Exaltación o La Virgen de la Macarena, aunque ésta última sigue siendo un misterio al día de hoy.
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Su vida estuvo marcada por su gran talento demostrado en la talla en madera y el modelado en barro cocido pero también por las desgracia al perder a cuatro de su hijos. Tras casarse en contra de su padre, marchó a Cádiz donde realizaría algunas de sus grandes obras , como el "Ecce Homo de Germán". Continuó su carrera en Madrid junto a su familia hacia el año 1688, llegando a ser nombrada escultora de cámara del rey Carlos III y posteriormente de Felipe V en el 1700.
A pesar de su trabajo artístico incesante, sufría dificultades económicas para la mera supervivencia diaria. Falleció en Madrid a la edad de 54 años el 10 de enero de 1706, pobre y con una producción artística ejemplar, durante años sus obras fueron atribuidas a los hombres de su entorno, estudios recientes han reconocido sus aportaciones al Barroco. Hoy en día, sus obras se pueden ver en museos de todo el mundo (Nueva York, Los Ángeles, Londres o Berlín), logrando alcanzar una cotización internacional espectacular.
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El arcángel san Miguel venciendo al demonio, 1692, Madera de cedro policromada, Galería de las Colecciones Reales, Madrid
Considerada la mejor pintora de la escuela de Kanō, una corriente pictórica japonesa que se prolongó hasta el siglo XIX. Nace en 1643 en el seno de una familia de artistas, su madre, Kuniko, era sobrina del maestro Kanō Tannyū y su padre, Kusumi Morikage, también pintor alumno del mismo maestro.
Kiyohara siguió las enseñanzas de su padre (solo las mujeres nacidas en familias de artistas podían continuar la profesión) que seguía las formas tradicionales de la escuela pero también la orientó en el estilo erudito o pintura de los letrados proveniente de China.
Sus obras evolucionaron desde la monocromía de la tinta china hasta composiciones coloristas con fondos dorados para obtener efectos más llamativos. Una parte de su obra siguió el llamado estilo Yamato-e con temática procedente de la literatura tradicional japonesa, son obras de color más intenso acompañadas de texto que describen la belleza de la naturaleza de lugares famosos y de las cuatro estaciones. Son obras realizadas en rollos de pergamino siendo leídos de derecha a izquierda.
Falleció en Kioto donde vivió la mayor parte de su vida, en el año 1682 a los 39 años de edad. Sus obras fueron muy valoradas en la época y hoy en día es muy cotizada a nivel internacional.
Vuelo celeste
El arte Barroco evolucionó hacia el Rococó donde la decoración se hace más densa y estilo más movido, aparecen elementos arquitectónicos como las columnas salomónicas, los frontones curvos y partidos...etc. A finales del siglo XVIII surge el Neoclasicismo en contraposición a los movimientos anteriores. Con ello se vuelve a las formas del arte clásico grecorromano. Ambos movimientos aparecen en Francia expandiéndose al resto de Europa. La Revolución Francesa en 1789 macará un ante y un después en la concepción del mundo, la burguesía toma el poder y los ideales del despotismo ilustrados definen la estética y objetivos en todas las facetas del arte.
En el presente vídeo podrás ver las características que diferencian ambos movimientos.
Dentro de este contexto socio cultural, las mujeres artistas continúan su andadura con no menos dificultades para hacerse visibles...
Ariadna abandonada por Teseo (1774), Angelika Kauffmann, Museo de Bellas Artes (Houston)
Ahora os toca a vosotr@s continuar con el estudio realizado a partir del listado de las artistas que he seleccionado, deberéis recopilar información de su vida, obra y aspectos más destacables de cada una de ellas, además de realizar una composición y ficha personal en la aplicación CANVA. Os detallo las propuestas de trabajo:
1º. Organizados en grupos de 4 personas, os asignaré una época y artistas de las que deberéis realizar una ficha que recoja información personal y que haréis con la aplicación CANVA, utiliza una plantilla dentro de ARTE para elaborar la ficha (entrar con vuestro correo corporativo en canva educación), éstos serán:
- Nombre de nacimiento.
- Fecha y lugar de nacimiento y fallecimiento
- Familia (nombre y profesión padres).
- Profesión (pintura, grabado, escultura,...) y género (retrato, paisaje, pintura religiosa,...).
- Breve historia de su desarrollo artístico (estudios que realizó, cambios de estilo y disciplina artística)
- Anécdotas o datos de su vida destacables.
- Catálogo de obras (número de obras que se le atribuyen y el título de algunas de las más destacadas).
Añade a la ficha imágenes de las obras y un autorretrato si lo hubiese.
ELIGE UNA PLANTILLA QUE SE AJUSTE A TUS PREFERENCIAS ESTÉTICAS Y VAYA ACORDE CON LA ÉPOCA DE LA ARTISTA.
Para recopilar la información, en la red podréis encontrar trabajos muy interesantes recopilatorios y biográficos de mujeres artistas de todas las épocas, entre ellos destaco el blog:
2º. La segunda actividad que vas a realizar es el diseño en formato de 22x22 cm de una composición o imagen de una obra o autorretrato de cada artista con la misma aplicación, CANVA, en ella debe aparecer el nombre y fecha de nacimiento y fallecimiento, si se diera el caso, y época histórica (Rococó, Neoclasicismo, Romanticismo, Realismo, Impresionismo, Simbolismo, Modernismo, Fauvismo, Expresionismo, Cubismo, Futurismo, Arte Abstracto...), además de su disciplina artística (pintora, grabadora, escultora, fotógrafa).
Os muestro algunos ejemplos:
UNA ALTERNATIVA AL FORMATO CUADRANGULAR SERÍA INSCRIBIR LA IMAGEN EN UN CÍCULO DE DIÁMETRO 22 CM, EN ESTE CASO ADPTARÍAMOS EL TEXTO A LA FORMA CURVA UTILIZANDO LA HERRAMIENTA DE EFECTO DENTRO DE TEXTO.
GRUPO A (S. XVIII): ROSALBA CABRIERA (1675-1757), ANNA DOROTHEA THERBUSCH (1721-1782), ANNE VALLAYER-COSTER (1744-1818),
GRUPO B (S. XIX): MARÍA DEL ROSARIO WEIS ZORRILLA (1814-1843), JULIA MARGARET CAMERON (1815-1879), ROSA BOHEUR (1822-1899), BERTHE MORISOT (1841-1895), MARY CASSATT (1844-1926), MAGDALENA MIRA (1859-1930).
GRUPO C (S.XIX): GERTRUDE KASEBIER (1842-1934), MARÍA BASHKIRTSEFF (1858-1884), CAMILLE CLAUDEL (1864-1943). SUZANNE VALADON (1865-1938), ALICE BAILLY (1872-1938)
GRUPO D (S. XX): FRANCES BENJAMIN JOHNSTON (1864-1952), SONYA DELAUNAY (1885-1979), PILAR MONTANER Y MATURANA (1876-1961), GEORGIA O'KEEFFE (1887-1986), ELENA SOROLLA GARCÍA (1865-1975), MANUELA BALLESTER (1908-1994).
GRUPO E (S.XX): TAMARA DE LEMPICKA (1898-1980), SOPHIE TAEUBER-ARP (1899-1943), MARUJA MAYO (1902-1995), FRIDA KAHLO (1907-1954), REMEDIOS VARO (1908-1994), LOUISE BOURGEOIS (1911-2010).
Imagino que os estaréis preguntando qué haremos con el trabajo realizado, pues montaremos un gran mural de tela, aquellas que teñimos en el taller de las jornadas culturales de la semana pasada.
SI TODOS COLABORÁIS POR IGUAL, LOGRAREMOS UN TRABAJO COLA BOTRATIVO MUY BONITO QUE PODREMOS EXPONER DURANTE MUCHO TIEMPO.
¡ÁNIMO Y A TRABAJAR!
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